7 книг об истории музыки: от боэция до горохова

Его работа

Работа глубокого единства

Для Стравинского музыка предназначена «установить порядок в вещах, включая, прежде всего, порядок между человеком и временем . Строительство сделано, заказ выполнен, все сказано. »

Эволюцию Стравинского принято делить на три периода: русский , неоклассический и сериальный . Но вначале он воссоздает больше, чем заимствует народный материал, а элементы его языка не имеют русского происхождения, но знаменуют собой кульминацию некоторых западных традиций. В свою очередь, его неоклассицизм — это не стилизация, а отправная точка исследования, точка зрения стилистической объективности в рамках универсальности формы и духа, что объясняет постоянство его интереса к вневременным, почти ритуалистическим предметам. Его последовательные работы , наконец , вырастают до своих крайних последствий ради строгости за счет субъективного элемента и поддерживаются только на коллективном музыкальном феномене XX — го  века . Таким образом, его ход не мог больше казаться чередой слияний и разобщений, которые затем неизбежно приводили к сомнению в его глубокой подлинности, но как свидетельство реального единства.

Могила Стравинского в Сан-Микеле , православная секция .

Наследство

Литература

Стравинский написал две книги, которые часто переиздаются. Первая, Chroniques de ma vie , представляет собой автобиографию, рассказывающую о его жизни до 1935 года. Впоследствии она переиздавалась в 1962 году и с тех пор регулярно переиздавалась. Вторая работа, Poétique Musicale , написанная в 1945 году, представляет собой сочинение о музыке. В нем использованы тексты лекций, прочитанных в Гарварде в 1939-1940 годах, «исповедание веры в пользу чистой музыки».

Роберт Крафт , его друг и соратник на протяжении последних тридцати лет жизни, также написал множество томов с композитором или о нем. Отметим здесь написанные совместно с ним: « Беседы с Игорем Стравинским» , « Сувениры и комментарии» , « Выставки и события» , « Диалоги и дневник» , « Темы и эпизоды, и ретроспективы», и заключение .

Книга « Сувениры Игоря Стравинского» , написанная в 1929 году Чарльзом Фердинандом Рамузом , свидетельствует о дружбе двух художников.

Его старший сын, Теодор Стравинский , написал книгу о музыканте «Послание Игоря Стравинского» , опубликованную в 1948 году и переизданную в 1980 году. Он также написал книгу воспоминаний о своих родителях Екатерине и Игоре Стравинских, семейный альбом , в 1973 году.

Дискография

Эндре Розда — Посвящение Стравинскому (1976).

Стравинский был привлечен с 1910-х годов для дирижирования его сочинениями. Это2 апреля 1914 г.что он впервые дирижирует оркестром. Во время репетиции своей Симфонии ми-бемоль , дирижируемой Эрнестом Ансерме , дирижер предлагает композитору самому принять эстафету. Однако только в следующем году у него была возможность выступить перед аудиторией на гала-вечере в пользу Красного Креста , устроенном Дягилевым в Женеве . Затем композитор дирижирует «Уазо де фе» .

Несмотря на то, что он сделал несколько записей своей музыки для RCA и Columbia перед Второй мировой войной , Стравинский записал почти все свои работы в течение 1950-х и 1960-х годов под руководством продюсера Годдарда Либерсона. (Ru) для Columbia Records , которая с тех пор стала Sony Классический . В записи композитор увидел хороший способ сохранить свою музыкальную мысль.
 

Роберт Крафт , друг и соратник Стравинского с 1950-х годов до его смерти, сделал множество записей, ведущих к завершению для Наксоса .

Семидесятые: Берлин и Дюссельдорф

Шенберг эмигрировал в США еще в 1933 году и успел воспитать там целую плеяду американских авангардистов. Однако лучшие из них стали известны музыкой, во многом противоположной атональным изобретениям немецкого гения. В 1950–1960-х на обоих берегах Северной Америки появился минимализм: эксперименты с магнитофонами, растянутые в бесконечности аккорды и повторение как центральный эстетический принцип. Ла Монт Янг, который был похож больше на гуру, чем на классического композитора, устраивал многочасовые импровизации под мескалином, играя одни и те же ноты. Он учился у личного ассистента Шенберга, но по-настоящему его вдохновляли вводящие в транс раги и мантры.

Другой американский минималист и почитатель традиционной индийской музыки — Терри Райли — осваивал в сан-францисском Центре электронной музыки технику закольцованной магнитофонной пленки, которую Штокхаузен применял в Kontakte. Для записи своего второго альбома A Rainbow in Curved Air (1969) он использовал дарбуку, бубен, электрические орган и пианино. Несмотря на довольно консервативный выбор инструментов (по меркам кельнских экспериментов), звучание получилось футуристичным — в воображении возникает образ мигающего всеми цветами бортового компьютера на космическом корабле.

Подобный минимализм, смешавшись с контркультурой хиппи, бибопом и психоделическим роком Jefferson Airplane и Grateful Dead, начал распространятся по Европе. Немецкая реакция на эту химеру — kosmische musik («космическая музыка»). В мире это явление благодаря британским журналистам станет известно как краут-рок.

Если остальная Европа в 1970-х генерировала технически совершенный и сложный прогрессив-рок, то немцы растворились в длинных импровизациях, в которых смешали этнику, фанковые ритмы, психоделические гитары, удовольствие от медитативной зацикленности и уже ставшие местной традицией авангардные электронные эксперименты. В Кельне появились Can, там же двое участников этого коллектива некоторое время учились у Штокхаузена. Практически одновременно с дюссельдорфской группой Neu! они придумали «моторик» — минималистичный ритмический паттерн, который впоследствии породит пресловутую монотонность поп-рока и электронных «туц-туц-туц». Сегодняшняя банальность этого звучания лучше всего говорит о том, насколько фундаментальным оказалось творчество немецких музыкантов этого периода для популярной музыки второй половины XX века.

Примечания и ссылки

  1. Воспоминания и комментарии .
  2. В своих « Хрониках моей жизни» Стравинский говорит о «Жизнь за царя» , что впервые услышал оркестр, полностью игнорируя память о Спящей красавице .
  3. Букуречлиев, с.  35 .
  4. Хроники моей жизни (переиздание 1962 г.), стр.  14 .
  5. Хроники моей жизни (переиздание 1962 г.), стр.  28 .
  6. Хроники моей жизни (переиздание 1962 г.), стр.  30 .
  7. Хроники моей жизни (переиздание 1962 г.), стр.  38 .
  8. Хроники моей жизни (переиздание 1962 г.), стр.  77
  9. Букуречлиев, с.  129 .
  10. Хроники моей жизни .
  11. в Хрониках моей жизни , цит.
  12. Морис Равель , L’Intégrale: переписка (1895-1937), сочинения и интервью ,2018 г. , Ссылка 1223 — письмо Мориса Равеля Иде Годебской от 17 июля 1920 г. в Карантек со ссылкой на Стравинских и мадам Бенуа
  13. Теодор Strawinsky , Стравинский: семейная хроника 1906-1940 , Schirmer торговля Книга,2004 г.
  14. Игорь Стравинский , Автобиография , WWNorton & Company,1998 г. , стр.  89-91
  15. .
  16. Музей современного искусства города Парижа — Осенний фестиваль, Выставка Стравинского — Европейская карьера , Париж,Октябрь-ноябрь 1980 г., 121  с. , p.  64, 97, 114, 115.
  17. Composer’s Geneologies: Сборник композиторов, их учителей и учеников. Пфитцингер, Скотт. Роман и Литтлфилд, Лондон, Великобритания и Нью-Йорк, США, 2017, стр. 522 ( ISBN   )
  18. (in) Скотт Пфитцингер, « Родословные композитора» ,2017 г., 628  с. .
  19. (in) на Milken Archive of Jewish Music (доступ 5 октября 2020 г. ) .
  20. .
  21. Игорь Стравинский, Хроники моей жизни, 1962, Деноэль-Гонтье, колл. Посредники, 1971, стр.  63-64 .
  22. HHStuckenschmidt, «Игорь Стравинский», в истории музыки , Pleiade, T.II, p. 1015.
  23. Букуречлиев, с.  411-415 .

Из-под церковных сводов — в светские дворцы

После Ренессанса музыка, как и другие виды искусства, вступает в период, называемый барокко. Это название произошло от итальянского выражения «perola barocca» — «жемчужина неправильной формы». И в этом есть определенная логика: формы от простых и прямолинейных переходят к сложным и вычурным, и именно они считаются теперь красивыми.

Изображение Гвидо д’Ареццо в рукописи из монастыря близ Аугсбурга, около 1100 года

По мере того как церковь начинает уступать часть прежде почти безраздельно принадлежавшей ей власти правителям светским, главным заказчиком музыкальных произведений становится знать. А это означает, что музыка уже является не языком общения с Богом, а развлечением для богатых.

Период барокко охватывает около полутора столетий — с 1600 по 1750 годы. Именно в это время Жан-Батист Люлли, придворный музыкант короля Людовика XIV, вводит новшества в оркестровую музыку, создавая первые подобия современных симфонических оркестров. Арканджело Корелли закладывает основы так называемого большого концерта — музыкального произведения, в котором оркестр делится на две части по группам инструментов и поочередно исполняет партии.

Антонио Вивальди, автор знаменитых «Времен года», считающихся одним из шедевров классической музыки, пишет более пятисот концертов, Иоганн Себастьян Бах создает свои лучшие органные произведения, Георг Фридрих Гендель, родившийся в Германии, пишет для королевского дома Великобритании великие оперы и становится олицетворением как немецкой, так и английской музыки.

Людвиг ван Бетховен (16 декабря 1770 г. — 26 марта 1827 г.) — немецкий композитор и пианист, представитель венской классической школы, один из наиболее исполняемых композиторов в мире

Период барокко — это время перехода музыки в плоскость светской традиции и рождения множества новых жанров.

На земле и в воздухе: «Струнно-вертолетный квартет» Карлхайнца Штокхаузена

Раз уже мы заговорили о птицах, то задержимся в воздухе. Правда, не с птицами, а с вертолетами и немцем Карлхайнцем Штокхаузеном, которого музыковеды и критики называют чуть ли не самым важным академическим композитором второй половины XX — начала XXI века. Его сочинения тоже непросты для восприятия, но это обычное дело для академической музыки XX века, особенно второй его половины.

Оцените размах: модератор объявляет зрителям, собравшимся в концертном зале, имена музыкантов струнного квартета и рассказывает, что их ждет. Затем под прицелами телекамер музыканты проходят каждый к своему вертолету, забираются внутрь, вертолеты взлетают и кружат в радиусе 6 км от аудитории, пока музыканты исполняют музыкальную часть сочинения.

Основные стили вокала

По виду вокального исполнения выделяют сольное пение, ансамблевое — обычно от двух до 10 человек исполняют разные партии, и хоровое пение. В хоре участвуют от 5 до нескольких десятков человек.

Но ещё важнее рассказать об основных стилях вокала и, наверное, бесконечном его развитии.

Академический вокал. Для нас это оперы и оперетты, мюзиклы и романсы. Классические каноны исполнения предполагают высокую вокальную позицию и высокий купол, благодаря которым голос становится очень сильным и приобретает максимально объёмное звучание. Академический вокал не предполагает пения в микрофон. Практически полностью форсирование звука, шумы и хрипы.

Джазовый вокал. Главная особенность — это импровизация, которая достигается определёнными приёмами пения, «подвижностью» голоса и идеальным чувством ритма и гармонии у исполнителя. В джазовом вокале также есть очень много стилей, которые отличаются друг от друга своим исполнением (босса-нова, свинг, кул-джаз, фри-джаз, классикол кроссовер, би-боп, регтайм, спиричуэлс, госпел и еще много других.

Эстрадное пение. Сочетает в себе много стилей и направлений, создаёт богатую палитру образов. Ориентируется на самую широкую аудиторию, и предполагают огромную палитру выразительных средств, ярких и интересных, позволяющих не только продемонстрировать все способности вокалиста, но также подать любую песню в необходимом драматическом исполнении.Сегодня эстрадный вокал тесно переплетается с другими стилями — рэпом, фолком, роком, также существуют различные стили эстрадного вокала: поп, рок, соул, фанк, диско, госпел, хип-хоп, хаус, дэнс, элелектро-поп, эвропоп, эстрадный романс, баллада, авторская музыка, шансон, кабаре. В эстрадном пении используются приемы: хрип, сип, шумы, гроул, скрим, рыки, милизматика, субтон, фальцет. Используются все виды атак звука.

Рок-вокал. Ему присущи «хрипотца» или «песок» в тембре голоса. Такое звучание получается вследствие скованности (зажатости) гортани и связок и совершенно другой работы голосового аппарата. Для создания определенного настроения используются техники экстремального вокала. Наиболее известные гроулинг (рычащий звук) и скриминг (визг).

Народное пение. Относится к традиционной и национальной культуре определённого народа. Вид музыкального искусства, в котором объединяется множество наук и видов народного творчества: фольклористика, этнография, музыкально-поэтическое творчество.

Современное вокальное искусство — прекрасно в своём многообразии. Читайте интервью с педагогами нашей школы, каждый из которых только подчёркивает невероятные возможности дальнейшего развития этого искусства и возможностью для каждого, кто не может не петь, найти свою уникальную манеру исполнения. В любом стиле.

Иллюстрация: «Урок пения» Федерико Дзандоменеги

Другие известные композиторы 20-го века

Различные выдающиеся композиторы 20-го века не связаны с каким-либо широко признанным композиционным движением. В приведенный ниже список включены некоторые из них, а также несколько известных классифицируемых композиторов, которые не упомянуты в предыдущих частях этой статьи:

  • Самуэль Адлер
  • Бела Барток
  • Хавергал Брайан
  • Карлос Чавес
  • Эдвард Элгар
  • Джордж Энеску
  • Габриэль Форе
  • Мортон Фельдман
  • Альберто Хинастера
  • Хенрик Горецкий
  • София Губайдулина
  • Алан Ховхенесс
  • Дьёрдь Лигети
  • Витольд Лютославский
  • Бруно Мадерна
  • Богуслав Мартин
  • Карл Нильсен
  • Кшиштоф Пендерецки
  • Фрэнсис Пуленк
  • Джакомо Пуччини
  • Сергей Рахманинов
  • Альфред Шнитке
  • Патрик Стэндфорд
  • Майкл Типпетт
  • Джоан Тауэр
  • Ральф Воан Уильямс
  • Эитор Вилла-Лобос
  • Уильям Уолтон
  • Джудит Вейр
  • Микис Теодоракис

Стили

Романтический стиль

В конце XIX века (часто называемый Fin de siècle ) романтический стиль начал распадаться, двигаясь по различным параллельным направлениям, таким как импрессионизм и постромантизм . В 20-м веке различные стили, возникшие из музыки прошлого века, побуждали композиторов следовать новым тенденциям, иногда как реакцию на эту музыку, иногда как ее продолжение, и обе тенденции сосуществовали и в 20-м веке. . О первых направлениях, таких как экспрессионизм, мы поговорим позже.

В начале 20-го века многие композиторы писали музыку, которая была продолжением романтической музыки 19-го века, и традиционные инструментальные группы, такие как оркестр и струнный квартет, оставались наиболее типичными. Традиционные формы, такие как симфония и концерт, остались в употреблении. Густав Малер и Жан Сибелиус — примеры композиторов, которые взяли традиционные симфонические формы и переработали их. (См. Романтическая музыка .) Некоторые авторы считают, что творчество Шенберга полностью соответствует поздним романтическим традициям Вагнера и Брамса и, в более общем плане, что «композитор, который наиболее прямо и полностью связывает позднего Вагнера и 20-й век, — это Арнольд Шенберг».

Неоклассицизм

Неоклассицизм был стилем, культивировавшимся между двумя мировыми войнами, который стремился возродить уравновешенные формы и четко уловимые тематические процессы 17-го и 18-го веков в отказе от того, что считалось преувеличенными жестами и бесформенностью позднего романтизма. Поскольку эти композиторы обычно заменяли функциональную тональность своих моделей расширенной тональностью, модальностью или атональностью, этот термин часто используется для обозначения пародии или искажения стиля барокко или классики. Среди известных примеров — Классическая симфония Прокофьева и Пульчинелла Стравинского , Симфония псалмов и Концерт ми-бемоль «Думбартон-Оукс» . Поль Хиндемит ( Симфония: Матис дер Малер ), Дариус Мийо , Фрэнсис Пуленк ( Шампанский концерт ) и Мануэль де Фалья ( El retablo de maese Pedro , Концерт для клавесина ) также использовали этот стиль. « Tombeau de Couperin» Мориса Равеля часто воспринимают как необарокко (архитектурный термин), хотя не всегда проводится различие между терминами.

Классическая композиция с элементами джаза

Джордж Гершвин

Ряд композиторов сочетали элементы джазовой идиомы с классическими композиционными стилями, а именно:

  • Малькольм Арнольд
  • Леонард Бернстайн
  • Марк Блицштейн
  • Аарон Копленд
  • Джордж Гершвин
  • Констант Ламберт
  • Дариус Мийо
  • Морис Равель
  • Гюнтер Шуллер ( Третий поток )
  • Джон Серри-старший
  • Дмитрий Шостакович
  • Карлхайнц Штокхаузен
  • Игорь Стравинский

Методы

Атональность и двенадцатитоновая техника

Арнольд Шенберг — одна из самых значительных фигур в музыке 20-го века. В то время как его ранние работы были выполнены в стиле позднего романтизма под влиянием Вагнера ( Verklärte Nacht , 1899), он превратился в атональную идиому в годы перед Первой мировой войной ( Drei Klavierstücke в 1909 году и Пьеро Лунайр в 1912 году). В 1921 году, после нескольких лет исследований, он разработал технику композиции с двенадцатью тонами , которую он впервые в частном порядке описал своим коллегам в 1923 году. Его первой крупномасштабной работой, полностью написанной с использованием этой техники, был Духовой квинтет , соч. 26, написано в 1923–24 гг. Более поздние примеры включают Вариации для оркестра , соч. 31 (1926–28), Третий и Четвертый струнные квартеты (1927 и 1936 соответственно), Концерт для скрипки (1936) и Концерт для фортепиано (1942). В последующие годы он периодически возвращался к более тональному стилю ( Каммерсимфония № 2 , начатая в 1906 году, но завершенная только в 1939 году; Вариации на речитатив для органа в 1941 году).

Он обучал Антона Веберна и Альбана Берга, и этих трех композиторов часто называют главными членами Второй венской школы (Гайдн, Моцарт и Бетховен — а иногда и Шуберт — в этом контексте считаются Первой венской школой ). Веберн писал произведения, используя строгий метод двенадцати тонов, и оказал влияние на развитие тотального сериализма . Берг, как и Шенберг, использовал технику двенадцати тонов в позднем романтическом или постромантическом стиле ( Концерт для скрипки , в котором цитируется хорал Баха и используется классическая форма). Он написал две основные оперы ( Воццек и Лулу ).

Из истории вокала

В древние времена пение было спонтанно. Оно носило народный или религиозный характер. Простые мелодии исполнялись преимущественно в храмах.

По некоторым легендам Конфуций именно благодаря песнопению, с которым ему посчастливилось познакомиться, распространял своё знаменитое учение по всему Китаю. И он совершил это, не обучаясь пению ни в какой школе. Главной в пении тогда была лирическая составляющая, творческое оформление слова.

В Древней Элладе в основе воспитания лежали пение, танцы и музыка, но только как гуманитарная часть обучения. В пении тогда не было цели преодолеть или совершенствовать акустическую природу голоса, специально развивать дыхание или интонировать. Вокальные упражнения чередовались с атлетическими только ради гармоничного развития личности.

Постепенно музыка превзошла другие искусства. Музыкальные произведения становились всё сложнее, пение выросло из чисто лирической акцентуации слова и требовало развития. Певцам стало необходимо воспитывать голос, создавать метод, технику и стиль. Так стали появляться вокальные школы.

На заре христианства появилось своеобразное вокализированное пение, «мелос», базирующийся на вокальных вариациях, наряду с гладким речитативом. Эти вариации со временем были значительно разработаны, так что без особой подготовки певец уже не смог бы с ними справляться.

Первыми профессиональными певцами были менестрели, которые с XIV века выступали в роли так называемых профессиональных музыкантов, которые зарабатывали себе на жизнь игрой на музыкальных инструментах и пением.

Первая школа пения возникла в Риме в V веке н. э. И распространение школ уже невозможно было остановить.

«Певческие школы и капеллы заложили основы для школ пения полифонического периода, высветив фонические элементы, свойственные непосредственности выражения „репрезентативного“, представленческого стиля. Одновременно народное пение породило школу „декоративного“ стиля. В ней главное — те вокальные завитушки и ухищрения, то блестящее вокализирование, которое наводит на мысли о чудесном и порождает легенды о певце-герое».

Среди первых школ следует особенно отметить основанную тосканцем Сан Филиппо Нери в римской церкви Кьеза Нова школу, названную Ораторио, в создании которой принимал участие первый сочинитель хоральной музыки — Палестрина.

C началом XVI века приходит опера. Именно с её возникновением связано окончательное формирование вокального инструмента и настоящей школы пения. В 1599 году в Палаццо Кореи во Флоренции представлением «Дафны» Якопо Пери по либретто Ринуччини было положено начало опере, смеси оратории и маскарада, а вместе с ней и культивированию хороших голосов.

Преподаванием занимались сами композиторы (тоже прославленные певцы), стараясь сделать из своих учеников настоящие музыкальные инструменты с помощью обучения технике дыхания, звукоподачи, развития звука и в соответствии со строго продуманной системой.

Об истории вокального искусства очень подробно рассказал в своей книге «Вокальные параллели» Лаури-Вольпи Джакомо — итальянский певец, лирико-драматический тенор с исключительными диапазоном голоса и певческой техникой.

Классика — на краткий миг

По сравнению с другими периодами развития музыки, тот, что принято называть классическим, как ни странно, является коротким — всего лишь с 1750 по 1830-е годы. Но в данном случае «короткий» вовсе не является синонимом к слову «незначительный».

В это время на музыкальном небосклоне восходят звезды трех величайших композиторов — Гайдна, Моцарта и Бетховена. Полностью формируются жанры классической симфонии и концерта в том виде, который известен нам сейчас.

Основным направлением работы композиторов этого периода является создание так называемых «классических музыкальных форм». Классическая музыка становится явлением все более популярным: отныне она звучит не только в монастырях и светских салонах, но и в домах зажиточных горожан и на подмостках театров.

Ференц Лист за фортепиано

Кристоф Виллибальд Риттер фон Глюк, сыновья Иоганна Себастьяна Баха — Карл Филипп Эммануил и Иоганн Христиан,— Август Карл Диттерс фон Диттерсдорф, Луиджи Боккерини, Антонио Сальери (да-да, тот самый!) — все они внесли огромный вклад в развитие классической музыки и всего лишь за 80 лет классического периода изменили ее практически до неузнаваемости.

И все-таки они шутят. Иногда

Было время, когда композиторы если и сочиняли какую-нибудь странноватую музыку, то делали это в шутку. В частности, у Вольфганга Амадея Моцарта есть произведение «Музыкальная шутка», в котором собраны все возможные ошибки по части гармонии и ритма, которые мог бы совершить дурной или просто неопытный композитор. Впрочем, в последние лет сто двадцать такого рода решения стали применяться композиторами совершенно сознательно и отнюдь не по незнанию курса музучилища, но это уже совсем другая история…

Изрядно повеселился, по-видимому, и композитор Франц Йозеф Гайдн, сочиняя свои 60-ю и 94-ю симфонии. Помимо прочего, заскучавшего от любви к классике слушателя в них развлекут внезапные громкие аккорды и прочие нестандартные приемы. Но, как это часто бывает, сегодня такие шутки понятны далеко не каждому.

Композиции

Джон Кейдж и Майкл Бах в Ассизи, 1992, фото: Ренате Хоффлейт

  • Первая конструкция из металла (1939)
  • Воображаемый пейзаж № 1 (1939)
  • Вакханалия (1940), первое произведение для подготовленного фортепиано.
  • Музыка в гостиной (1940), в том числе « Рассказ» с текстом Гертруды Стайн.
  • Примитивный (1942)
  • Кредо в нас (1942)
  • Amores (1943)
  • Четыре стены (1944)
  • Музыка для Марселя Дюшана (1947)
  • Сонаты и интерлюдии (1948)
  • Мечта (1948)
  • Музыка перемен (1951)
  • 4′33 ″ (1952)
  • Williams Mix  (en) (1952) с Бебе и Луи Бэрроном
  • Радио Музыка (1956)
  • Концерт для фортепиано с оркестром (1957-58)
  • Фонтана Микс (1958)
  • Водная прогулка (1960)
  • Картриджная музыка (1960)
  • Вариации II (1961)
  • 0’00 (4’33 «№ 2) (1962)
  • Дешевая имитация (1969)
  • HPSCHD (1969) в сотрудничестве с Lejaren Hiller
  • Сборники песен (1970)
  • Клетка для птиц (1972)
  • Филиалы (1976)
  • Литания для кита (1980)
  • Рёандзи (1983)
  • Но как насчет шума мятой бумаги (1985)
  • Europeras 1 и 2 (1987)
  • Орган² / ASLSP (Как можно медленнее) (1987)
  • One 8 (1991) для виолончели с изогнутым смычком
  • Четыре5 (1992)
  • One 13 (1992) для виолончели с изогнутым смычком (совместно с Майклом Бахом)
Рейтинг
( Пока оценок нет )
Editor
Editor/ автор статьи

Давно интересуюсь темой. Мне нравится писать о том, в чём разбираюсь.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Медиа эксперт
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: